¿Qué Tipos de Pinturas existen en la historia?
Pintura

¿Qué Tipos de Pinturas existen en la historia?

Tipos de Pinturas

La pintura es el arte de colocar los colores con la ayuda de pinceles de cierta manera para crear un arte. La pintura se puede hacer en casi cualquier superficie y puede ser digital (en computadoras) o manual usando pinturas y pinceles.  

Hay diferentes tipos de materiales de pintura como arena, papel, arcilla y otros más. La pintura se basa en la creatividad, por lo que los artistas no se limitan sólo a un medio y pocos materiales, es un proceso cada vez más complejo. 

Diferentes Estilos de Pinturas

Existen diferentes tipos de estilos de pintura, pero el estilo moderno de pintura es la técnica más buscada, porque permite al artista llevar a cabo sus ideas en el lienzo con una mezcla de técnicas modernistas, abstractas y surrealistas. 

Hay diferentes estilos de pintura como el arte abstracto, el arte conceptual, el hiperrealismo, el pop art, el futurismo, el impresionismo y así sucesivamente. Como artista, el pintor puede centrarse  en un solo estilo o en una combinación de estilos.

A continuación se describen brevemente algunos de los estilos mas vanguardistas.

Pintura Abstracta

La pintura abstracta se considera una de las formas más puras de expresión, ya que permite a su creador comunicarse visualmente con libertad sin la restricción de las formas que se encuentran en la realidad objetiva.

Los enfoques que se encuentran dentro de la pintura abstracta abarcan muchos movimientos, incluyendo el Expresionismo Alemán, el Fauvismo, el Cubismo y el Expresionismo Abstracto.

Las pinturas abstractas surgieron como una desviación de la pintura académica clásica y tradicional en Europa durante el final del siglo XIX y principios del XX. Muchos artistas de renombre antes de esta época pintaron siguiendo los métodos del realismo clásico, que utilizaban la perspectiva realista, el sombreado y otras técnicas para crear escenas y temas históricos.

La experimentación con los colores y la evocación de emociones era un interés primordial de los artistas abstractos. El expresionismo alemán se caracteriza por su paleta saturada y los colores corresponden a las emociones humanas. 

El pintor del Expresionismo Alemán, Wassily Kandinsky es a menudo considerado el primer verdadero artista abstracto, que se  dio a conocer por su teoría del color y la unión de las emociones a sus pinturas de colores vivos. 

Como muchos otros artistas abstractos, Kandinsky creía que la música también encarnaba el arte abstracto en el sentido más puro, con su capacidad de ser expresiva sin representar el mundo real. 

Pintura Conceptual

Esta pintura representa cada obra de arte fue una vez sólo una idea en la cabeza de alguien. Es un pensamiento que  considera lo fugaces que pueden ser las ideas, y lo difícil que puede ser convertir incluso las mejores ideas en realidad. 

La pintura conceptual, enmarcada en el campo de la práctica artística, intenta enfrentar la brecha entre las ideas y la realidad física. Considera la posibilidad de que por cada pintura que termina siendo colgada en una pared, hay innumerables de ellas, que nunca llegaron al lienzo, e innumerables formas alternativas de pintar la que sí llegaron a la pared. 

Incluso el artista conceptual, llega a decir que la pintura puede no importar en absoluto, que lo único que realmente importa es la idea.

En 1917, Marcel Duchamp creó una obra de arte titulada Fuente. Era un urinario puesto al revés y firmado R. Mutt. Duchamp tomó un objeto ordinario y lo transformó, en este caso dándole la vuelta y sacándolo de su entorno utilitario.

Haciendo obsoleto su uso original e invitando a nuevas posibilidades de significado. Fuente, fue rechazada por la muestra a la que fue sometida, pero se convirtió en el punto de referencia de lo que finalmente se conocería como Arte Conceptual, una tendencia a poner el valor de las ideas de un artista por encima del valor de los procesos u objetos del artista.

¿Qué Tipos de Pinturas existen en la historia?

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución. El hiperrealismo es considerado un avance del Fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes.

El hiperrealismo es la forma de arte más reciente  de crear ilusiones realzando la realidad. Los artistas de este género llevan sus obras más allá de la calidad puramente fotográfica al poner un mayor énfasis en los detalles visuales, sociales y culturales de la vida cotidiana. 

Juegan con la intensidad del color, la iluminación, el contraste y la nitidez para dar forma a una representación más vívida de lo que se puede ver a simple vista. Esto es lo que separa al Hiperrealismo de su predecesor más naturalista, el Fotorrealismo.

Los artistas hiperrealistas suelen elegir entre el dibujo, la pintura y la escultura en sus esfuerzos por dar una dimensión adicional de la realidad a la vida. Gracias al mayor uso de la tecnología en las artes visuales, también pueden utilizar en sus obras técnicas de ilustración digital o alteración de imágenes transferidas a lienzos o moldes.

Pop Art

El arte pop es un movimiento artístico que surgió en el decenio de 1950 y floreció en  1960 en América y Gran Bretaña, inspirándose en fuentes de la cultura popular y comercial. Diferentes culturas y países contribuyeron al movimiento durante los años 60 y 70.

Comenzó como una revuelta contra los enfoques dominantes del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que debería ser el arte. Los jóvenes artistas sentían que lo que se les enseñaban en la escuela de arte y lo que veían en los museos no tenía nada que ver con sus vidas o con las cosas que veían a su alrededor todos los días. 

En su lugar, recurrieron a fuentes como las películas de Hollywood, la publicidad, los envases de productos, la música pop y los cómics para sus imágenes.

Aunque se inspiraron en temas similares, el pop británico se considera a menudo como algo distinto del pop americano. El primer arte pop en Gran Bretaña fue alimentado por la cultura popular americana vista desde la distancia, mientras que los artistas americanos se inspiraron en lo que vieron y experimentaron viviendo dentro de esa cultura.

En los Estados Unidos, el estilo pop fue un retorno al arte representativo y el uso de bordes duros y formas distintas después de la soltura pictórica del expresionismo abstracto. Al utilizar imágenes impersonales y mundanas, los artistas pop también querían alejarse del énfasis en los sentimientos personales y el simbolismo personal que caracterizaba al expresionismo abstracto.

Futurismo

El Futurismo, fue movimiento artístico de principios del siglo XX centrado en Italia que enfatizaba el dinamismo, la velocidad, la energía y el poder de la máquina y la vitalidad, el cambio y la inquietud de la vida moderna. 

Durante el segundo decenio del siglo XX, la influencia del movimiento se irradió hacia el exterior en la mayor parte de Europa, sobre todo hacia la vanguardia rusa.  Los resultados más significativos del movimiento fueron en las artes visuales y la poesía.

El manifiesto de Marinetti inspiró a un grupo de jóvenes pintores de Milán a aplicar las ideas futuristas a las artes visuales. Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini publicaron varios manifiestos sobre la pintura en 1910. Como Marinetti, glorificaron la originalidad y expresaron su desdén por las tradiciones artísticas heredadas.

Los pintores futuristas adoptaron la técnica cubista de utilizar superficies y contornos planos fragmentados e intersectados para mostrar varias vistas simultáneas de un objeto. Pero los futuristas buscaron además retratar el movimiento del objeto, por lo que sus obras típicamente incluyen repeticiones espaciales rítmicas de los contornos de un objeto durante el tránsito. El efecto se asemeja a múltiples exposiciones fotográficas de un objeto en movimiento.

Impresionismo

Se desarrolló en Francia en el siglo XIX y se basa en la práctica de pintar al aire libre y espontáneamente en el escenario donde se percibe la obra, en vez de realizar la pintura en un estudio a partir de bocetos. Los principales temas impresionistas eran paisajes y escenas de la vida cotidiana.

El impresionismo fue desarrollado por Claude Monet y otros artistas con sede en París desde principios de la década de 1860. En lugar de pintar en un estudio, los impresionistas descubrieron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar trabajando rápidamente, frente a sus sujetos, al aire libre. 

Esto dio lugar a una mayor conciencia de la luz y el color y el patrón de cambio de la escena natural. El trabajo con pinceles se hizo rápido y se rompió en pinceladas separadas para dar la calidad fugaz de la luz.

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *